Este compositor tinerfeño, que pasa amplias temporadas en su casa de Motril (Granada), ha explicado a EFE que haber sido elegido por el Gobierno chino entre otros veinte músicos procedentes de todo el mundo supone para él todo un orgullo y algo "muy importante" en su amplia trayectoria artística.

"Será importante también para España, porque una cosa es ir a China y otra es ser requerido desde allí para un acto como ése", ha declarado el pianista, quien ha destacado la especial simbología que tendrá tocar en un espectacular nuevo teatro de la plaza Tiananmen.

González, que tocará en una ceremonia junto con los pianistas Lang Lang, Liyun Di o Philippe Entremont, entre otros, se ha referido a lo que supondrá para él tener "a toda la crítica del mundo sentada entre el público" y también poder interpretar temas de un compositor español.

Al respecto, ha precisado que su programa del próximo 19 de agosto estará compuesto por varias piezas de la obra "Iberia", de Isaac Albéniz, convirtiéndose en el primer español que toque en el Teatro Nacional de China de Pekín, donde volverá al día siguiente para un gran espectáculo para diez pianos de cola, veinte pianistas y una gran orquesta.

Ha resaltado, además, que su actuación se convertirá en una buena oportunidad de demostrar al mundo que Albéniz es un "grandísimo compositor" español junto con Manuel de Falla, "que todos los españoles pensamos que son muy conocidos, pero que, realmente, lo son muy poco en el resto del mundo", ha lamentado.

González, Premio Nacional de Música en 1991, ha participado en distintas orquestas de España, Europa y América, y ha trabajado intensamente en China a partir de 2005 gracias al proyecto "Pengyou" (Amigo), nacido con el propósito de mostrar y difundir la música española en territorios del gigante asiático.

La Comisión Permanente solicitó a la Secretaría de Salud ajustar la reglamentación existente para que se permita la compra de antirretrovirales genéricos para el tratamiento del VIH-Sida

La Comisión Permanente pidió a la Secretaría de Salud instaurar el acceso universal a medicamentos antirretrovirales, incluyendo las proyecciones de gasto por ejercicio presupuestal hasta el año 2012 en atención y prevención del VIH-Sida.

También solicitó ajustar la reglamentación existente para que se permita la compra de antirretrovirales genéricos para el tratamiento del VIH-Sida, orientado a garantizar el acceso universal, permanente y sustentable.

Además, el órgano legislativo dio un plazo de 30 días al titular de la dependencia, José Angel Córdova Villalobos, para que informe de las acciones y medidas adoptadas a favor del cumplimiento de esta petición.

La víspera, EL UNIVERSAL destacó la acusación de la Secretaría de Salud (Ssa) en la que señaló a la industria farmacéutica de venderle los medicamentos antirretrovirales para enfermos con VIH-sida cuatro veces más caros que a otros países de la región.

Indicó que el Síndrome de Inmunodeficiencia Adquirida (SIDA) ha cobrado más de 25 millones de vidas en el mundo, mientras que en México en 2007 se reportaron 115 mil 881 casos acumulados y cada año se diagnostican cuatro mil.

La Comisión Permanente aseguró que en México "estamos aún lejos de completar la cobertura universal en materia de diagnóstico y tratamiento de las 182 mil personas que se estima viven actualmente con VIH en México".

Sostuvo que gracias al tratamiento de los antirretrovirales la esperanza de vida de los enfermos con Sida ha tenido un aumento significativo, "pues prolongan su vida en condiciones de calidad y dignidad."

Sin embargo, en México los precios de dichos medicamentos fijados por la industria farmacéutica llegan a ser hasta 30 veces más altos que en países con ingresos similares al nuestro, subrayó.

Por ello, urgió al gobierno federal a garantizar el acceso universal, permanente y sustentable a dichos fármacos, además de modificar leyes para abaratar los costos de los antirretrovirales.

Nuevamente el canto de nuestros pueblos de Latinoamérica se une en un festival denominado "El Legado Inca" que se realizará el 24 de agosto, desde las 6 p.m., en el Auditorio del Parque de la Exposición.

Cuatro representantes de nuestra música andina llamada contemporánea, porque fusiona los ancestrales sonidos e instrumentos andinos con los modernos, pondrá su arte de manifiesto.

Antología, agrupación de masiva aceptación en todo el Perú; Wayanay, una de las mas representativas en el extranjero y de mayor trayectoria; Canto Sur, agrupación liderada por Pedro Arriola, fundador de la agrupación Yawar integrada por reconocidos músicos nacionales; y también se hará presente todo el encanto de Cielo, joven intérprete que se ha convertido en toda una revelación de la música andina.

Todos ellos hermanan su canto con una de las agrupaciones más reconocidas de la música latinoamericana del país del altiplano, Bolivia.

El Grupo Amaru, con 33 años de recorrido musical por el mundo entero, destacando por su extraordinaria ejecución vocal, actualmente es el grupo que lidera los ratings en emisoras bolivianas con temas como "Soledad", "Mi morena" y "Saya de amor", entre otros.

Será un encuentro musical incaico, que mostrará el legado musical de nuestros ancestros.

Cuando todo parece terminarse y el panorama es de lo más oscuro, cuando la vida parece haber perdido su significado y no hay más nada que hacer; cuando nos sentimos acorralados por fuerzas superiores a las nuestras, surge la esperanza como recurso final para encontrar un nuevo rumbo, levantar la frente y continuar hacia adelante y renovar los esfuerzos para cumplir con la misión asignada por la vida.

La esperanza es un detonante. Cuando la tenemos se desencadena en nosotros un deseo de luchar, un ánimo especial para afrontar cada una de las actividades cotidianas, incluso las más difíciles. Ella nos permite adquirir el fuerte deseo de seguir adelante cuando nuestras fuerzas nos abandonan y la voluntad necesaria para renunciar a nuestros sueños aún cuando el camino es una cuesta casi imposible de remontar.

Según Nietzche la esperanza es un estimulante vital muy superior a la suerte y de acuerdo con Séneca una esperanza reaviva otra. Y ambos tienen razón: la esperanza es un detonante para ponernos en marcha y enviarnos a trabajar con fuerza detrás de un ideal. En la práctica trabajamos, nos movemos y actuamos porque tenemos la esperanza de llegar a alguna parte, de lograr un objetivo, de alcanzar una meta o hacer realidad un sueño.

La esperanza nos ayuda a soportar ciertos momentos de la vida en que la dificultad amenaza con destrozarnos el cuerpo y el ánimo. Además, nos brinda consuelo como un bálsamo en la herida y nos ayuda a pasar esos momentos de angustia en que parece que todo terminará y no resistiremos.

Según el diccionario la esperanza es un estado de ánimo en el cual se nos presenta como posible lo que deseamos.

La esperanza conlleva a tener una esperanza en el presente y una expectativa firme en el futuro y tiene una relación cercana con la fe. La esperanza consiste en un deseo y en la creencia firme en que éste se hará realidad. Cuando tenemos fe se apodera de nosotros la convicción de que nuestro deseo YA ha sido concedido. Creer es la base de la esperanza. Convicción y certeza es el sustento de la fe.

La fe tiene el beneficio de que nos lleva a considerar a dios como sustento y a considerar su palabra como cierta, sin ninguna duda. La esperanza nos da un margen para que luchemos con nuestras propias fuerzas y talento en busca de lo que Dios nos ha prometido. Por eso quien tiene esperanza alaba a Dios. Y además se regocija porque cosecha la siembra propia y la de su Creador. La esperanza renueva nuestras fuerzas y las refresca para la cotidiana jornada en que habremos de vernos la cara con sucesos nuevos y desconocidos.

La esperanza nos inspira, además, a una vida de pureza y a la perseverancia…es decir a recuperar el equilibrio después de cada tropezón o a levantarse después de cada caída.

La esperanza sana el alma desalentada y con seguridad será una amiga fiel que nunca nos abandonará ni desilusionará. Por eso debemos buscarla, crearla, apegarnos a ella y defenderla de quienes por haberla perdido intentan desacreditarla.

La esperanza es el puente que nos tiende Dios cuando el viento sopla en contra y los obstáculos nos impiden ver su gloria. Es el recurso final que el Creador pone a nuestra disposición cuando parece que no tuviéramos ningún recurso a nuestro alcance.

Gotas cayendo entre mil mares, pienso y siento, toco y veo, en el crepúsculo de tu ser, no me logro setisfaser lejos de tu miel. Idóneo mi razón para hacerte enloquecer, volver y renacer en medio de todo lo mortal. Viento caricias de los querubines tiernos, no te veo pero te siento, porque no puedo entender lo bello de lo invisible, por favor no te vallas, quédate en mi morada.
Por: Miriam Carmona

Hoy fuiste solo un instante, desdibujado por el brillo incisivo de una sonrisa y la imprevisión inminente del tropiezo de dos miradas.

Te llevaste mis ojos, mi atención, volaste como angelical sobre mí, pero lastimosamente te perdiste en la distancia.

Esa misma distancia que no me permitió desnudar tu alma y tu cuerpo, arrebatar con muchas caricias tu corazón, y tener quizás la posibilidad alguna, de mirarte y poseer cuanto eres, y cuanto quieras ser conmigo.

Fueron solo unos segundos, cortos, sin motivo, sin sentido, rojo y rojo que placer, pero para mi, fue mas tu aparecer, que ilumino por un instante disyuntivo.

Y sentí que lo sabias, que lo sabíamos, que lo queríamos, que lo anhelábamos y en ese momento estuve enamorado.

Segundos pocos, nulos, pero únicos, ciertamente suficientes, para querer volver a verte.

Solo, Instantes, efímeros, indolentes, pero lejanos para talvez volver a encontrarte.

Respecto a la música, y el sonido en general, siempre asocia el sonido con lo que estamos viviendo.

Si nos lo estamos pasando bien, tenemos alegría, bailamos, hablamos, reímos, y escuchamos una música, todo esto, se queda grabado en nuestro cerebro.

Cuando volvemos a escuchar ésa música de nuevo, fuera de ése contexto, sin querer, nos vienen ésas imágenes, esos chistes, esos pasos, e incluso olores, sensaciones, etc, ... se guarda todo como en un paquete.

Esto es la explicación, por ejemplo a: la canción de nuestra primera vez (entre una pareja). Ambos están escuchando una canción cuando están empezando a salir, a conocerse, están muy felices, ... cuando escuchan ésa canción, su mente vuelve a poner todas esas sensaciones, alegría, lloro, etc... ahí en medio.

También es la explicación de el por qué nos gusta un tipo de música, cuando durante tiempo, vamos con ellos. En seguida, asociamos la música que han puesto, con los chistes que están contando, con lo bien que te lo pasas con ellos, .. a la larga, tu mente acaba asociando ésa música (que al principio no te gustaba) con buenos recuerdos, y te acaba gustando la música.

Donde quiero llegar es a lo siguiente. Si quieres bailar como en un vídeo determinado, ya sea que te has grabado tu, o tu artista favorito, .. asocia la música al vídeo que estás viendo, .. y cuantas más veces mejor. Al final, cuando estés bailando y escuchando éste tema, tendrás tan grabado el vídeo, que te lo sabrás de memoria, y te sentirás el protagonista de éste vídeo .

Un coro es un grupo de personas cantando en forma simultánea y artística. El canto coral es una de las formas de expresión colectivas más antiguas de la humanidad, a través del instrumento que lleva incorporado, el más puro y exacto de todos: la voz humana.
Si se cantan distintas melodías o líneas a la vez, tendremos diferentes grupos o cuerdas, la obra en cuestión y el coro será polifónicos, debiendo haber preferentemente al menos dos personas por cuerda. Si cantaran todos los integrantes la misma línea, se trataría de una obra coral monódica.
Al frente de un coro es necesaria la presencia de un director, que va indicando el tempo, y a cada cuerda las variaciones dinámicas de la pieza.
Las agrupaciones de voces más comunes actualmente en un coro, agrupadas por tipo de registro, son:
Soprano: voces femeninas más agudas que generalmente llevan la melodía principal.
Contralto: voces femeninas más graves.
Tenor: voces masculinas agudas.
Bajo: voces masculinas graves.
Al cantar cada cuerda su línea melódica, estas se van superponiendo y formando acordes, o sea que puede considerarse a un coro como un instrumento armónico.
Los coros pueden interpretar obras “a capella” o bien con acompañamiento instrumental. En este último caso se lo denomina “coro concertante”.
Los coros también pueden clasificarse en profesionales y vocacionales, siendo estos últimos los que predominan en número, siendo sus integrantes aficionados a la música vocal.
Las obras que interpretan los coros pueden haber sido compuestas exclusivamente para ese fin, o bien tratarse de un arreglo para distintas voces, basado en una obra previamente existente.
La música coral se encuentra actualmente difundida por todo el mundo, y cumple una importante función de difusión cultural y de integración social, como también hace al bienestar de las personas involucradas en su práctica, motivándolos a expresarse artísticamente. Quien canta en un coro debe adaptarse a compartir vivencias y sonidos con otras personas, buscando un “sonido grupal”, dejando de lado egoísmos y afanes de protagonismo, buscando el mejor resultado final general.

Un gran solo de jazz consiste en algo mágico desde el 1 % al 99 % que es Explicable Analizable Clasificable y tal vez hasta Factible.” Amplio esto. Cuando escuchamos un solo de jazz, el músico que ha estudiado jazz puede explicar lo que esta escuchando pero no llega al 100% de la explicación. Por ejemplo si escuchamos a Chick Corea, preguntamos ¿Que esta haciendo? ¿Que toca en la mano izquierda? ¿Que acordes toca? ¿Qué escala usa en los solos? Cuando uno estudia jazz podemos lograr entender lo que hace Chick Corea, pero no vamos a llegar al 100% de la explicación, porque el jazz tiene miles de variantes y lleva tiempo poderlas estudiar y comprender su funcionamiento. El jazz comparado con otros estilos, tiene esa libertad suprema de la improvisación que hace que cada gran artista de jazz incorpore nuevas ideas y propuestas dentro del estilo. Por esto digo que el jazz es un estilo vanguardista, que no se queda con lo ya hecho, sino que busca variantes continuamente y cada ejecutante puede poner su sello. Ahí podemos meter ese 1% que es lo que no se puede explicar o tal vez solo los que proponen esas nuevas ideas podrían explicarlas. Que un libro te explique un 99% de lo que se hace en el jazz, es mas que suficiente. Esto no pasa con otros estilos, que si son el 100% explicable, por eso se transforman en músicas predecibles. El músico de jazz, particularmente los que tocamos jazz, padecemos de ese tipo de cosas, nos aburren ciertos estilos, porque la armonía, el ritmo y la melodía siempre giran para el mismo lado, los solos siempre entran en el mismo lugar, sin defenestrar y sin poner por debajo esos estilos, comento lo que me pasa a mí, y respeto todos los estilos musicales, y un estilo musical bien hecho me merece los honores y respeto. Desde ya que existe la música artística y comercial pero no quiero ampliarme tanto. Pero el estilo de jazz tiene muchas variantes y por eso resulta muy interesante, porque no solo tienes que conocer el 99% explicable, que ya eso lleva años comprenderlo, sino que luego debes poner tu grano de arena en la ejecución, nuestra personalidad, nuestro toque, nuestra propuesta como artista. Por eso Chick Corea es Chick Corea, Bill Evan es Bill Evans, y Keith Jarret es Keith Jarret. Ellos seguramente saben el 99% de todo el conocimiento, pero después estos grandes del jazz, le ponen su toque, su distinción y su propuesta, que justamente es lo que no se puede explicar.

¿Los libros de jazz ayudan?

Se encuentran libros que expliquen todo lo que se hace en el jazz con ejemplos, y demás, pero a la hora de estudiarlos no es fácil hacernos la idea de que vamos a tocar como Bill Evans, En ese caso habría que buscar un libro de Bill Evans y saber que métodos usaba para estudiar. Pienso que la teoría se hace verdad cuando se la ejecuta sino es como si las palabras se llevara el viento, o para hablar somos todos mandados hacer, lo importante para mi siempre fue el detalle de lo que hay hacer, el plan de estudio, el día a día y los métodos y las estrategias para llegar al objetivo, que es tocar jazz. Una de las cosas que aprendí fue que para tocar jazz lo mejor que se puede hacer, es transcribir lo que escuchamos, y al mismo tiempo tratar de explicar con nuestras palabras lo que estamos tocando. Si logramos mezclar el conocimiento con nuestra percepción, vamos por el camino ideal.

Corazón lleno de temor, entre los rayos del dolor, fuerte como el mar, llego de incredulidad, porque no dejas las cadenas de lo material y comienzas amar. Entre mis pensamientos te veo llegar, como el sol y las olas, vuelves y te vaz, en tu corazón hay algo que quieres demostrar pero escondido como un pequeño que espantado esta.

Falleció el inventor del teclado más simpático de la historia.

¿Qué carajos es un moog? ¿No es, acaso, aquel pocillo gigante en el que nos tomamos el "chocolisto"? Nop. Se trata de un sintetizador inventado por accidente (un oscilador de frecuencias al que se le puso teclado) que fue muy importante en los setenta y principios de los ochenta porque se convirtió en una rareza impactante: Era un extraño aparato electrónico que controlaba sus sonidos secos, sin brillos, extraños.

Fue pieza clave del Rock sinfónico, pero al igual que pasó con este género, los músicos de los ochenta decidieron tirar a la caldera todo eso: El sonido les parecía simplemente detestable. Comenzó a llegar la música electrónica, el Pop, los instrumentos digitales... ¿Se imagina cómo "desentonaría" semejante armatoste mastodónico en un escenario de Madonna, Cher o Britney Spears?

El inventor fue Robert Moog, este señor de mirada y temperamento pacíficos, quien falleció de un tumor cerebral el domingo por la noche.

El Moog pasó por variaciones estratégicas: Se convirtió en Minimoog y en otros teclados que, en su momento, resultaban ser toda una novedad...

Sin embargo, en los ochenta, que fue una década vital para los sintetizadores digitales, el moog (analógico) fue utilizado por muy pocas bandas, pero una de ellas fue The Cure.

En cambio en los setenta, esta clase de instrumentos sí era valiosísima. Lo utilizaban muchísimos artistas como Rick Wakeman, que se rodeaban de teclados por todos lados (los conciertos eran muy simpáticos porque uno sólo veía un poco de teclados... Estos músicos en serio creían que iban a tocar todo eso en una presentación...). A la izquierda, una imagen de Espíritu, banda argentina que vivió el fenómeno sinfónico.

Bueno, ¿quieren saber cómo suena el moog? Paciencia, paciencia. Por el momento, recuerden al músico de organeta de las misas de barrio.... El sonido es muy similar, aunque Wakeman sabe tocar mejor...

¿Pero eso qué tiene que ver con el paro cardiaco que le va a dar a los fanáticos del Rock?

Bueno, si se han dado cuenta, el Rock y el Pop han rivalizado de tal forma durante 40 años que el sintetizador se convirtió en angel para unos y demonio para otros. Es un término que no le cabe en la cabeza a un verdadero fanático del grunge de los noventa o del hardcore de hoy en día.

En un afán casi caníbal, apareció a mediados de los noventa una banda que admiro muchísimo, me encanta porque ES UN VERDADERO ENGENDRO y todo su sonido se basa en el moog.

Se trata de The Moog Cookbook y esta es la portada del primero de sus dos discos. Ojo -para los que sufren del corazón, tómenlo con calma- ESTA BANDA HACE SÓLO CON MOOGS "COVERS" DE LAS CANCIONES MÁS FAMOSAS DE LA HISTORIA DEL ROCK .

Sólo hasta hace unos dos años revelaron sus rostros al público, pero por lo general, siempre salían con estos cascos que parecen sustraídos de una película de ciencia ficción de Ed Wood. Si se pudieran clasificar dentro de algún movimiento, sería en la pandilla de Daft Punk y Kraftwerk, pero creo que sería algo insolente mezclarlos.

Atención rockeros:. Escuchen aquí la versión de "Smells like teen spirit" de The Moog Cookbook (página francesa autorizada para difundir su música)... Cuéntenme qué tal les parece. Todo el sonido está elaborado con moogs.

Si lo ven objetivamente, los tipos son unos duros, pero ¿Es posible convivir con estas versiones? Esta es la página oficial de The Moog Cookbook. Vean esta foto de la derecha: The Moog Cookbook junto a su maestro, Mr. Robert Moog.

Un teclado electrónico generalmente puede reproducir muchos sonidos, similares o no a los que producen otros instrumentos. En algunos casos, su funcionamiento se basa en mecanismos eléctricos, electrónicos o digitales que crean los sonidos. Aquí se encuentran tanto los sintetizadores como otros instrumentos originalmente creados para imitar pianos (Rhodes, Würlitzer) u órganos (Hammond).

Otros teclados reproducen muestras (en inglés samples) de sonidos previamente grabados. Éstos pueden venir fijos “de fábrica”, o ser capturados y manipulados mediante un sampler. Una de las primeras versiones de éste tipo de teclado fue el Mellotron, el cual reproducía muestras de instrumentos reales grabados en cintas, con una muestra diferente para cada nota.

Los sintetizadores y sampleadores no necesariamente cuentan con un teclado para ser tocados. En los últimos años se han desarrollado teclados controladores para el protocolo MIDI, los cuales no producen sonidos por sí mismos, sino que envían señales MIDI a un sintetizador, sampler o computadora capaz de interpretarlos y traducirlos en sonidos.

Creo que estoy corriendo sin sueños, solo escucho lo que dicen pero no lo que quiero. Déjate llevar por tu corazón , tu alma, tu esperanza, que te llevara y pronto sentirás la paz , la pasión, y el amor por vivir. Revoluciona tu corazón y revolucionaras al mundo.

Espero ayudar de alguna manera a todos ustedes que se interesan por el teclado musical me pueden escribir en Comentarios, con gusto lo investigare para ustedes los temas relacionados.

1. Keith Emerson (ELP)
2. Rick Wakeman (Yes)
3. Jon Lord (Deep Purple)
4. Ray Manzarek (The Doors)
5. Richard Wright (Pink Floyd)
6. Tony Banks (Genesis)
7. Billy Preston
8. Ian Underwood (The Mothers Of Invention)
9. Steve Winwood (Traffic)
10. Nicky Hopkins (Rolling Stones, Jeff Beck)
11. Al Kooper (Blood Sweat & Tears)
12. Jordan Rudess (Dream Theater, The Dregs)
13. Tony Hymas (Jeff Beck)
14. Gregg Allman (Allman Brothers Band)
15. Booker T. Jones
16. Jan Hammer
17. Kevin Moore (Dream Theater)
18. Gregg Rolie (Santana, Journey)
19. Brian Eno
20. T. Lavitz (The Dregs)
21. Richard Tandy (ELO)
22. Dennis De Young (Styx)
23. Jens Johansen (Yngwie Malmsteen)
24. Kerry Livgren (Kansas)
25. Rod Argent (Zombies, Argent)
26. George Duke (Frank Zappa/Solo)
27. Don Airey (Rainbow, Ozzy, Deep Purple)
28. Garth Hudson (The Band)
29. David Sancious (Springsteen, Santana, Sting)
30. Ian Mclagan (Rolling Stones, Faces)
31. Allan Zavod (Frank Zappa)
32. Steve Nieve (Elvis Costello)
33. Max Middleton (Jeff Beck)
34. Billy Powell (Lynyrd Skynyrd)
35. Derek Sherinian (Dream Theater)
36. Isaac Hayes
37. Jimmy Greenspoon (Three Dog Night)
38. Jon Carin (Pink Floyd, Roger Waters)
39. Tony MacAlpine
40. Ken Hensley (Uriah Heep)
41. Benmont Tench (The Heartbreakers)
42. Matthew Fisher (Procol Harum, Solo)
43. Stevie Wonder
44. Amos Milburn
45. Jonathan Cain (Journey, Solo)
46. Geoff Downes (Yes, Asia)
47. Allen Ravenstine (Pere Ubu)
48. Roy Bittan (E Street Band)
49. Patrick Moraz (Moody Blues, Yes, Solo)
50. Matt Bellamy (Muse)
51. Alan Price (The Animals)
52. Leon Russell
53. Michael Mcdonald (Doobie Borothers)
54. John Paul Jones (Led Zeppelin)
55. Bob Mayo (Frampton)
56. Mike Pinder (Moody Blues)
57. Tony Kaye (Yes)
58. Bill Payne (Little Feat)
59. Richard Tee (Paul Simon, Peter Gabriel, James Brown)
60. Claudio Simonetti (Goblin)
61. Bernie Worrell (Talking Heads, Funkadelic)
62. David Rosenthal (Rainbow)
63. Roddy Bottum (Faith No More)
64. Robert Lamm (Chicago)
65. Michael Pinella (Symphony X)
66. Ron "Pigpen" McKernan (Grateful Dead)
67. Chuck Leavell (Allman Brothers, Rolling Stones)
68. Vincent Crane (Arthur Brown)
69. Peter Bardens
70. Jools Holland (Squeeze)
71. Bobby Whitlock (Derek & The Dominos)
72. Neal Doughty (REO Speedwagon)
73. Mike Garson (David Bowie)
74. Larry Knechtel (Bread, Smith)
75. Trent Reznor (Nine Inch Nails)
76. Burton Cummings (Guess Who)
77. Jeff Chimenti (Rat Dog, The Dead)
78. Gary Wright
79. Chris Stainton (Joe Cocker's Grease Band)
80. Dick Sims (Eric Clapton, Bob Seger)
81. John Evan (Jethro Tull)
82. Janne Warman (Children of Bodom, Warmen)
83. Roger Powell (Todd Rundgren, David Bowie)
84. Rick Davies (Supertramp)
85. Paul "Wix" Wickens (Paul McCartney)
86. Art Neville
87. Mark Mancina (Yes)
88. Mark Stein (Vanilla Fudge)
89. Felix Cavaliere Rascals
90. Page McConnell (Phish)
91. Edgar Winter
92. Roger O'Donnell (The Cure)
93. Eric Drew Feldman (Captain Beefheart)
94. Mark Kelly (Marillion)
95. David Greenfield (The Stranglers)
96. Goldy McJohn (Steppenwolf)
97. Allen Lanier (Blue Oyster Cult)
98. Kerry Minnear (Gentle Giant)
99. Tony Carey (Rainbow)
100. Manfred Mann

Con el paso del tiempo la humanidad ha dejado atrás todo lo que nos hace soñar, como una mariposa que sola esta sin motivos para volar se queda varada, vuela sin dudar y llegaras a lugares que jamás olvidaras.

Los teclados musicales están diseñados en base a la afinación occidental. Las notas naturales de la escala de do (do, re, mi, fa, sol, la, si) son blancas y de mayor tamaño, mientras las correspondientes a los sostenidos (do#, re#, fa#, sol#, la#) o bemoles (reb, mib, solb, lab, sib) son negras y un poco más pequeñas. La organización convencional de las notas en el teclado data del siglo XV, aunque la idea de teclado puede rastrearse hasta el siglo III aec, con el hydraulis (órgano de agua griego).

El número de teclas en los teclados se ha incrementado con el tiempo. En el siglo XVIII los clavecines tenían hasta cinco octavas (poco más de 61 teclas), mientras que la mayoría de los pianos fabricados desde 1870 tenían 88 teclas. Algunos pianos modernos tienen algunas teclas más (por ejemplo un Bösendorfer 225 tiene 92, y un Bösendorfer 290 Imperial tiene 97 teclas). Los órganos generalmente tienen 61 teclas por “manual”. Los sintetizadores tienen por lo general 61, 76 u 88 teclas (casi 5, 6 o 7 octavas, respectivamente).

El número de teclas negras y blancas puede variar según el fabricante, y según el modelo de teclado. Por ejemplo, un teclado de 5 octavas de la empresa Yamaha vienen con 61 teclas (36 blancas y 25 negras); en cambio un teclado Casio de 5 octavas tiene 59 teclas (34 blancas y 25 negras).

El teclado es la parte o sección frontal de un instrumento musical, sección provista de teclas y destinada a ser accionada por medio de los dedos de las manos. Por extensión, teclado se aplica comúnmente a todo instrumento musical provisto de teclado. Al presionarse las teclas, el instrumento produce sonidos por medios acústicos, electrónicos o electromagnéticos, según el caso, y dichos sonidos ejecutados a lo largo del tiempo generan melodías. En ocasiones se ejecutan de manera simultánea generando acordes, que a lo largo del tiempo generan una armonía musical.

Está compuesto por un conjunto de teclas adyacentes, negras y blancas. El intervalo entre teclas adyacentes es de un semitono, y entre dos teclas corresponde a un tono. Un intérprete de instrumentos de teclado es un teclista. El término tecladista es usado, pero no reconocido por la Real Academia de la Lengua.